ACR edition

LES PEUPLES D'IRAN

2020-09-11T12:30:00Z

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Le voyageur qui s'intéresse aux pays du Moyen-Orient rêve de connaître l'Iran, berceau de toute une civilisation dont l'Histoire remonte à plusieurs millénaires. De nombreux vestiges bien conservés en rappellent les grandes périodes : la ziggourat de Choqua-Zabil (XIIIe siècle av. J.-C.) datant de l'Empire d'Élam, les sites de Pasargadès, Persépolis, Bisotum et Naqsh-e-Rostam illustrant l'empire des Perses avec les Achéménides. La dynastie des Sassanides est présente à Firouz-Abad, Taq-e-Rostan, Naqsh-e-Rostam, Naqsh-e-Radjab. Puis le pays connaît une longue période d'invasions avec Gengis Khan ; les Mongols et les Timurides ne laissent pas de traces. Ensuite les Safavides, les Zends et les Qadjars vont donner à l'Iran de nombreux et prestigieux monuments qui font la splendeur des villes d'Ardabil, Bam, Mashad, Qom, Tabriz, Ispahan, Shiraz, Yazd... Toutes ces merveilles sont au programme des voyages organisés, mais elles donnent une image figée des grands moments de ce pays. Même lorsque les différents peuples qui ont habité ces régions sont évoqués pendant ces visites programmées, il est difficile de se représenter la composition de la population actuelle constituant l'unité de l'Iran. Notre objectif était d'avoir une approche différente et de jeter un autre regard pour obtenir une vision globale des différentes ethnies réparties sur l'ensemble du territoire. Notre démarche, ce n'est pas celle d'un ethnologue mais celle d'un simple voyageur, parcourant le pays en essayant d'établir en permanence des contacts avec les populations, d'apprécier et de comparer les paysages de chaque contrée. Les rencontres ont été d'autant plus aisées que partout, malgré les difficultés de la langue, l'accueil a été remarquable et a facilité les contacts. Et nous avons pu constater le désir d'ouverture vers l'Europe de ces peuples qui appréciaient l'intérêt que nous leur portions en venant visiter leur pays.

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30/08/11 10:00

MAROC. CHARLES KERIVEL. Itinéraire d'un peintre breton

2020-09-11T12:23:00Z

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Tout au long des 264 pages de ce beau livre, Charles Kerivel vous propose une façon originale et personnelle de parcourir le Maroc, de Tanger à Sidi Ifni et d'Essaouira à Merzouga. Non pas une découverte ponctuée de photographies en couleurs mais, fait sans précédent, une grande promenade où chaque étape est représentée picturalement par nombre d'aquarelles, dessins et croquis aquarellés, repris entre autres de ses nombreux carnets de voyages. Depuis 1983, date à laquelle il commence à s'intéresser au Maroc – après avoir parcouru une grande partie des pays méditerranéens –, il n'a de cesse de rapporter de chacun de ses voyages quantité d'aquarelles, toutes réalisées in situ et accompagnées d'une multitude de croquis de souks et de personnages. Sa première exposition sur ce thème sera présentée à Douarnenez d'où il est natif. Ses endroits de prédilection seront naturellement Marrakech, avec ses monuments et ses souks, Essaouira, pour la subtilité de ses couleurs, son port qui lui rappelle la Bretagne de façon omniprésente. Mais, sans pour cela négliger les reliefs de l'Atlas et les immenses étendues du Grand Sud, c'est surtout à leurs habitants qu'il s'intéresse. Ainsi, une large partie du livre est consacrée aux Berbères Aït Haddidou qu'il rencontre pour la première fois lors de sa traversée de l'Atlas en 1987. Uniquement présenté à l'aide d'aquarelles et de croquis, cet ouvrage se divise en quatre grands chapitres : -LA BIOGRAPHIE de l'auteur, accompagnée d'œuvres réalisées dans différents pays, ainsi que de l'évocation de livres précédemment édités ; -LE NORD DU MAROC, d'Asilah à Chefchaouen, de Fès à Rabat, puis le long de la côte atlantique jusqu'à Essaouira ; -ESSAOUIRA et MARRAKECH : paysages, monuments, personnages, animations portuaires et souks ; -LE GRAND SUD, avec les traversées de l'Atlas, la rencontre avec les Aït Haddidou et les superbes paysages du Dadès, du Todra et du Tafilalet, pour terminer par la vallée du Drâa et, but du voyage, Sidi Ifni. C'est une randonnée picturale unique à travers un superbe pays.

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LE VERRE, ART & DESIGN XIXe-XXIe siècles

clementz — 2012-10-15T17:10:18Z

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‘LE VERRE, Art & Design' est à la fois un livre d'art et une encyclopédie. Aucun ouvrage sur le verre en France n'a paru depuis de nombreuses années, et aucune encyclopédie ne lui a jamais été consacrée, il comble donc un manque évident et fait découvrir la place particulière du verre dans l'histoire de l'art et son rôle immense dans la société contemporaine. Ce livre est l'aboutissement de plusieurs décennies d'intimité de l'auteur avec le verre et le reflet d'une vision transversale de l'histoire de l'art. Elle permet au simple amateur de s'initier, comme au connaisseur et au professionnel de découvrir des aspects méconnus du verre et d'identifier des artistes, des techniques, des styles ou des dates. Elle permet également de se reconnaître dans les créations, si diverses depuis deux siècles, en distinguant ce qui mérite la dénomination d'oeuvre d'art et ce qui relève de la fabrication industrielle ou commerciale – et, accessoirement, de déceler les faux ou attributions fantaisistes. Divisé en deux volumes absolument complémentaires, le livre se présente, dans sa première partie, sous la forme d'un ‘beau livre' qui expose le verre sous ses aspects esthétiques les plus remarquables, afin de montrer en détail l'évolution de l'expression du verre au cours des deux derniers siècles, essentiellement en France, mais aussi à travers le monde. Quant à la seconde partie, elle propose, dans une vision scrupuleusement chronologique, plus de 375 monographies illustrées des artistes verriers (Émile Gallé, Henri Cros, François Décorchemont Gabriel Argy-Rousseau, Maurice Marinot, André Thuret et tant d'autres, dont certains quelque peu oubliés comme Auguste Labouret ou Étienne Cournault), des verreries (les plus renommées, Baccarat, Saint-Louis, Lalique, Daum… et négligées par l'histoire, Appert, par exemple) et des artistes plasticiens contemporains (tels que François Morellet, Bertrand Lavier ou Richard Fauguet) comme des designers (aussi différents que Matali Crasset, Pucci de Rossi et Olivier Gagnère) qui se servent directement du verre ou sont édités en verre. Elle contient également un important lexique qui explique les techniques (du soufflage à la pâte de verre en passant par la gravure sur miroir), les inventions, les divers mouvements, les rapports avec l'histoire générale de l'art, les principales expositions des 200 dernières années… Un index illustré de 1300 noms propres – avec une moyenne de 10 entrées – complète l'ouvrage dont il permet l'utilisation rationnelle et pratique.

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SALVADOR DALI - GUSTAVE MOREAU - ANDRE BRETON

Nouvel auteur — 2012-10-15T15:14:11Z

Docteur d'État et ancien chargé de mission des musées nationaux, Pierre-Louis Mathieu a consacré ses recherches en histoire de l'art au symbolisme du XIXe siècle, et notamment à Gustave Moreau sur lequel il a publié plusieurs ouvrages de référence couronnés par l'Institut. Il avait été chargé d'accueillir Dali au musée Gustave Moreau et relate avec précision les préparatifs et le déroulement imprévu de l'événement.

Le 1er avril 1970, Salvador Dali choisissait le musée Gustave Moreau à Paris pour annoncer au monde la création de son propre musée dans sa ville natale de Figueras. Cet événement montre l'influence posthume du peintre symboliste dans l'histoire du surréalisme à travers ses deux principaux acteurs, Salvador Dali et André Breton, tous deux admirateurs de Moreau, comme en expose les raisons cette étude très documentée.

CHARLES BARGUE, Drawing Course

clementz — 2012-09-11T12:30:00Z

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Le Cours de dessin de Bargue-Gérôme est la réimpression intégrale d'un célèbre cours de dessin de la fin du XIXe siècle. Il se compose d'un ensemble de près de deux cents lithographies magistrales, qui étaient autant de sujets destinés à être copiés par des élèves dessinateurs avant que ceux-ci n'abordent le dessin d'après nature. C'est un ouvrage qui intéressera par conséquent les artistes, les étudiants en art et les historiens de l'art, mais aussi les amateurs et collectionneurs de dessins. Le lecteur y découvrira également l'œuvre et la vie d'un maître jusqu'à présent négligé : Charles Bargue. Le Cours de dessin est divisé en trois sections. La première regroupe des planches dessinées d'après des moulages, habituellement réalisés sur des exemples de la statuaire antique. Les différentes parties du corps sont étudiées par ordre de difficulté croissant avant d'aborder les figures complètes. La deuxième section rend hommage à l'école occidentale de peinture, avec des lithographies réalisées d'après des dessins exemplaires de la Renaissance et des maîtres modernes. La troisième partie comporte près de soixante académies ou dessins de nus masculins, toutes des créations originales de Bargue, le lithographe. L'élève aborde de façon raisonnée les difficultés rencontrées dans l'observation et la description attentive de la nature. Les artistes chevronnés identifieront dès le premier coup d'oeil les problèmes de représentation qu'abordé Bargue et apprécieront les solutions qu'il propose. Les peintres figuratifs copieront les planches pour se faire ia main, un peu comme les pianistes pratiquent les exercices de Czerny avant de jouer Beethoven. Les élèves des beaux-arts y trouveront une introduction à la fois pratique et progressive au dessin figuratif réaliste. Les historiens de l'art pourront apprendre de ces dessins ce que la fin du XIXe siècle appréciait dans la composition à figures. Ils reconnaîtront dans la première partie le crédit qui était accordé à la tradition à travers les modèles de la statuaire antique : si l'on fait ici appel à l'Antiquité, ce n'est pas pour imposer un style classique mais pour contribuer à l'observation précise et intelligente de la structure du corps humain. Il en résulte une convergence du Classicisme et du Réalisme. Les techniques et les schémas proposés sont tous élaborés à partir du sujet considéré et de son exécution, sans graphique numérique proportionnel ni boîtes de perspective ou schéma géométrique à mémoriser. Ces magnifiques dessins ne sont pas simplement le résultat de l'assiduité, mais aussi d'une observation consciencieuse et du désir de transcrire et de communiquer les beautés de la nature, de la lumière et des multiples aspects du corps humain. Ce sont des objectifs qui ne laisseront indifférents ni l'observateur de dessins ni les arts figuratifs. Charles Bargue débuta dans la carrière comme lithographe, reproduisant pour un public populaire des dessins humoristiques, sentimentaux ou erotiques dus à des rapins besogneux. En travaillant avec Gérôme et en préparant les planches destinées au cours, il se métamorphosa en un peintre spectaculaire, privilégiant les portraits individuels et les scènes intimes, en un maître du détail précieux qui demeure toujours en observation sans jamais tomber dans la virtuosité affectée, d'une palette unifiant la composition par d'exquises harmonies tonales. La dernière partie du présent ouvrage est une biographie de Bargue, complétée par un catalogue préliminaire de son oeuvre peint, illustré par des reproductions de tout ce qui a pu être retrouvé et même d'un grand nombre de tableaux perdus.

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The Bargue-Gérôme Drawing Course is a complete reprint of a famous, late nineteenth century drawing course. It contains a set of almost two hundred masterful lithographs of subjects for copying by drawing students before they attempt drawing from life or nature. Consequently it is a book that will interest artists, art students, art historians, and lovers and collectors of drawings. It also introduces us to the work and life of a hitherto neglected master : Charles Bargue. The Drawing Course consists of three sections. The first consists of plates drawn after casts, usually of antique examples. Different parts of the body are studied in order of difficulty, until full figures are presented. The second section pays homage to the western school of painting with lithographs after exemplary drawings by Renaissance and modern masters. The third part contains almost sixty académies or drawings after nude male models, all original inventions by Bargue, the lithographer. With great care, the student is introduced to continually more difficult problems in the close observing and recording of nature. Practiced professional artists will see at once the problems of representation that are approached by Bargue, and they will delight in his solutions. Figure painters will copy the plates to keep in tune ; so to speak, much as pianists practice the exercises of Czerny before performing Beethoven. Art students will find it a practical and progressive introduction to realistic figure drawing. Art historians can learn by studying these drawings just what was prized in late 19th century figure painting. They will recognize the reliance upon tradition by the use of antique sculptures as models in the first part : Antiquity is here used, not to impose a classical style, but as an aid in seeing the structure of the human body with clarity and intelligence. The result is a convergence of Classicism and Realism. There are no numerical proportional charts, perspective boxes or geometrical schemata to memorize. All the techniques and schemata are developed out of and for the object or person in view. The drawings are splendid ; beautiful ; not simply products of assiduity, but of careful observation and the wish to transcribe and communicate the beauty of nature and light, as well as the manifold appearances of the human body. These are objectives that will touch and move any careful reader of drawings, and the figurative arts. Charles Bargue started his career as a lithographer of drawings by hack artists for a popular market in comic, sentimental and soft-porn subjects. By working with Gérôme, and in preparing the plates for the course, Bargue was transformed into a spectacular painter of single figures and intimate scenes ; a master of precious details that always remain observation and never became self-conscious virtuosity, of color schemes that unified his composition in exquisite tonal harmonies. The last part of the book is a biography of Bargue, along with a preliminary catalogue of his paintings, accompanied by reproductions of all that have been found and of many of those lost.

BERNARD COURCOUL. Une vie de potiers

2012-09-11T12:30:00Z

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1967. Bernard Courcoul et son épouse Jacqueline s'installent à Chambon, petit village de la Touraine du Sud pour se lancer ensemble dans l'aventure de la création d'un atelier de poterie. Mai 1968 n'est pas encore passé par là. Leur décision est le résultat d'une volonté délibérée et personnelle. Jacqueline a déjà fait ses premiers pas dans divers ateliers. Bernard, après quelques années de pratique professionnelle comme psychosociologue, s'engage totalement dans cette aventure qui sera une aventure de couple. Progressivement, de la réalisation d'un rêve de nouvelle vie non dépourvue de quelque romantisme, le couple passe à une entreprise délibérément artistique, inscrite dans une période d'intense essor de la céramique qui conquiert sa place dans le concert des arts contemporains. Dans Une vie de potiers, une passion poétique, Bernard Courcoul relate cette aventure et définit progressivement sa vision de l'art céramique, une vision partagée en couple, chacun ayant sa propre personnalité artistique, une vision fondée sur des valeurs esthétiques qui ne sont jamais séparées d'une éthique humaniste. Au centre du livre, une vingtaine de poèmes donnent à ressentir, mieux qu'un discours, la résonnance intime d'une œuvre dans son jaillissement, avec en filigrane une poétique de l'engagement et de la passion. En troisième partie, Bernard s'adonne, en toute liberté et avec quelque humour, dans une démarche analogue à celle de Bernard Palissy dont l'ombre portée sur le livre devient insistante au fil des pages, à un exposé nommé Pratique, fait de récits, de descriptions et de notes d'atelier. Une abondante iconographie conduit les lecteurs dans la confidence de l'histoire des deux artistes et dans un voyage au cœur de la céramique contemporaine.

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2011-10-02T22:19:00Z

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2011-10-02T22:18:00Z

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CHARLES BARGUE, Cours de dessin

clementz — 2011-08-30T08:00:00Z

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SUSANNA BIEDERMANN. Apprendre à regarder

2011-08-30T08:00:00Z

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Susanna Biedermann était architecte d'intérieur, mais dans sa biographie elle se présentait également comme peintre. Et ses œuvres appartiennent à un spectre bien plus large encore. Ce livre s'ouvre sur ses livres d'esquisses, qui sont à l'origine de beaucoup de ses travaux ultérieurs. Vient ensuite une mosaïque de dessins, d'aquarelles, de peintures, de peintures murales, d'objets, de photographies, d'affiches, de logos, de plans, de modèles, de constructions et de textes qui font revivre l'art de Susanna Biedermann. Notre présentation ne repose pas sur des critères d'ordre chronologique, elle n'obéit pas non plus à un classement par genre ou par lieu de création ; nous avons choisi de nous appuyer sur des liens de parenté visuelle. Ce sont donc les œuvres elles-mêmes qui dictent les enchaînements. L'art de Susanna Biedermann ne s'incarne pas dans un « style » particulier. L'ensemble de son œuvre aux multiples facettes est sous-tendue par la légèreté, la magie et le don de donner aux choses une forme réelle. La multiplicité de ses centres d'intérêt tient à sa fascination spontanée pour tout ce qui l'entoure. Ses œuvres constituent les éléments hétéroclites d'un tout, qui a abouti à la création de l'École Supérieure des Arts Visuels de Marrakech.

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The interior designer Susanna Biedermann described herself in her curriculum vitae as a painter as well. The compass of her works is in fact greater still. The book begins with the sketchbooks where so many of her creations have their origin. The succession of drawings, watercolours, paintings, murals, objects, photographs, posters, logos , plans, models, buildings and words together give rise to a mosaic which is itself a reflection of Susanna Biedermann's practice of working on several projects simultaneously. Our selection is arranged neither chronologically nor by genre or place of origin, but is instead organized solely on the basis of visual affinities. The works themselves define the sequence in which they appear. Susanna Biedermann's art does not manifest itself in a particular style. Yet what all her many-facetted works have in common is a lightness of touch, a magical quality and a gift for transforming reality. Her many different spheres of interest can all be traced back to her spontaneous fascination with everything around her. Viewed in isolation, her works are simply different parts of a larger whole, which together led to the founding of the Marrakech School of Visual Arts. Wherever possible, we allow Susanna Biedermann herself to speak to us both in her own texts and in interviews.